Nehir – alles fließt vom Grat in die Ebene

imago – Kunstverein Wedemark | 9. November 2025 | Einführungsrede[i]

Nehir – alles fließt vom Grat in die Ebene. Der Titel der Ausstellung nimmt das arabisch-türkische Wort für Fluss, Strom auf. Deutet verfremdet an – ohne ein Bild entstehen zu lassen, weil die meisten das Wort erst nachschlagen müssen – was es mit Nehir auf sich hat – dass es ums Fließen geht, um Bewegung, um Prozesse in ihrer Dynamik.

Diese Ausstellung ist keine Ausstellung über Landschaftsmalerei oder eine Wasserinstallation. Wer den Raum betritt, der lässt sich ein auf eine Expedition, eine Reise. Räumlich über den Nahen Osten, Paris, Nordafrika zurück nach Niedersachsen. Zeitlich auf eine Reise über 44 künstlerische Jahre. Die älteste hier ausgestellte Arbeit wurde 1981 geschaffen, die jüngste vor ein paar Wochen. Und letztlich eine Reise vom Außen, dem Augenscheinlichen – nach innen, den Seelenbildern.

I

Ich beginne mit den beiden ältesten Arbeiten. Sie führen uns in die Zeit Ende der 70er Jahre. Jürgen Friede studiert noch Freie Kunst mit dem Schwerpunkt Plastik an der Nachfolgeeinrichtung der Werkkunstschule in Hannover-Herrenhausen, heute der Hochschule Hannover. 1981 wird Ronald Reagan Präsident der USA, Kohl Bundeskanzler über die Wende der FDP, Diana und Charles heiraten. Es ist die Zeit des Kalten Krieges und im Bonner Hofgarten demonstrieren 300.000 Menschen gegen den NATO-Doppelbeschluss. Gerade junge Erwachsene haben das Gefühl, auf einem Pulverfass zu sitzen. Jürgen Friede hört Lake. Und das klingt 1976 so:

I feel like I’m sitting on time bomb baby

And it’s going to explode

Ich fühle mich, als würde ich auf einer Zeitbombe sitzen, Baby.

Und sie wird explodieren.

Ja, ich sitze auf einer Zeitbombe, Baby.

Jeden Tag weiß ich, dass du explodieren wirst.

In der Blüte des Tages wird es mich nicht mehr geben.

Die Antwort auf dieses Gefühl oder der Ausdruck sehen Sie in den beiden ältesten Arbeiten: Time Bomb Baby – wie eine Bombe aus Stahl und Kupferblech – zwei Materialien, die sich schon chemisch nicht vertrage, liegt die Bombe fein hindekoriert auf ihrem Gestell. Harmlos. Ironisch. Little Boy – war der Name der ersten Atombombe, die über Hiroshima abgeworfen wurde. Harmlos und doch. Eine Antwort auf die Schrecken des Zweiten Weltkrieges und seine Folgen war die Abkehr vom Figurativen in der Kunst und die Hinwendung zur Abstraktion. Für Manche in den 1960er Jahren waren z.B. die abstrakten Expressionisten immer noch gestisch und symbolisch zu beladen und sie entwickelten die Abstraktion konsequent weiter zur Minimal Art. Die Skulpturen sollten weniger komplex, objektiv und Raumbezogen sein und sie arbeiteten häufig mit gefundenen, auch industriell gefertigten Elementen. Radikale Reduzierung. Arbeitet die Arbeit Time Bomb Baby (1981) noch mit einem Augenzwinkern, ist die im gleichen Jahr entstanden Arbeit Variationen in der Fläche entschieden reduziert. Auf Sperrholzplatten genietete Klavierbänder halten schmale Kupferbleche. Gleich in der Struktur aufgebaut, lassen sich die Neigungswinkel der Bleche variieren. Nicht mehr – nicht weniger.

Jürgen Friede lässt diesen Ansatz hinter sich:

Meist – denn es gibt Ausnahmen, es gibt die Arbeiten mit Augenzwinkern. Schauen Sie auf die gerahmten kleinen Collagen von 2007 oder auch die perforierten Kupferbleche von 1990, in denen beinahe spielerisch Formen und Farben eingebunden sind. Grundlagen der Collagen im Bilderrahmen ist jeweils eine durchschossene Zielscheibe – Hannover hat das weltgrößte Schützenfest – und dann unterschiedliche Materialien vom Kuchendeckchen bis zur Platine, Zahnrädchen, Kaffeefilter – Zivilisationsfragmente. In Schwitterscher Manier entstehen heitere Erzählungen von Tortenschlacht bis Garten Eden. Die nackte, weibliche Brust in Sex and Crime enttarnt man erst auf den zweiten oder dritten Blick als Kaffeefilter. Die Erzählungen entstehen im Kopf der Betrachter:innen, ausgelöst durch die künstlerische Vorlage.

Es bleibt aber auch bei diesen eher narrativen Arbeiten eine strikte Formensprache, die von der Reduzierung lebt, die auf die geometrischen Grundformen setzt. Dieser Einfluss, u.a. aus der Auseinandersetzung mit der Minimal Art, wird verstärkt durch den Einfluss seiner Reisen in den Nahen Osten und, vorallem, das nördliche Afrika.

II

„Als ich in Afrika, Marokko ankam, hatte ich den Eindruck, endlich zu Hause zu sein.“^[iii]

 

Friede zeichnet viel, wandert, erfasst die Sprache von Natur und afrikanischer Zivilisation. Fasziniert sieht er auf seinen Busfahrten über Land die Hirten, „die da stehen und nichts tun als Schauen in dieser Landschaft“[iv] auf ihren Stock gestützt, mit ruhigem Blick und beinahe unbewegt in die Weite schauen. Er entdeckt die aus den Grundformen gestalteten Architekturen und die Skulpturen. Im nördlichen Afrika, haben Statuen, die Menschen abbilden, häufig rituelle, liturgische Funktionen. Sie finden Verwendung bei Fruchtbarkeitsriten, in der Ahnenverehrung, als Votivgaben. Deshalb sind sie selten individuell ausgeformt, sondern funktional. Ähnliches findet man in der Kunst des antiken Ägyptens: Der Schreiber, der Wächter, der Krieger. Daraus ergibt sich eine reduzierte, abstrahierte figurative Formsprache.

 

 

Jürgen Friede übernimmt die vorgefundene Formsprache nicht als dekoratives oder gar postkoloniales Dekor. Eher sucht er überkulturelle Formelement, die eine universelle Gültigkeit haben, zitiert die Gestaltungsweise. Und in der Tat kann man im Vergleich der künstlerischen Kulturen sehr verwandte Haltungen und Gesten finden, die sich meist an den ästhetischen Grundformen orientieren: Die Biegung des goldenen Schnitts, die Urtypen der Dreierformen, die überkulturellen Silhouetten menschlicher Figur, Kopfformen, Haltungen.

Der rumänische Bildhauer Constantin Brancusi, der lange Jahrzehnte in Paris gearbeitet hat, einer der Inspiratoren Jürgen Friedes, betont, dass man mit den Formen das Wesentliche finden muss: „Nicht die äußere Form ist wirklich, sondern das Wesen der Dinge. Unter dieser Voraussetzung ist es für jedermann unmöglich, durch Nachahmung oberflächlicher Erscheinungen etwas Wirkliches auszudrücken.“[v] Jürgen Friede schafft mit seinen Skulpturen eine neue künstlerische Wirklichkeiten, die das Potenzial haben, die Räume, in denen sie stehen und die Betrachter:innen zu verändern.

In den Wächterfiguren mit ihrer klaren Haltung wird das sehr deutlich, auch in der Geschmückten Braut.

Es entstehen Skulpturen, die deutliche Impulse geben, Haltung haben – aber doch mir als Betrachter eine Offenheit gewähren, sie mit meinen Narrationen zu verbinden. Sehen Sie in der nur Figur genannten Arbeit einen Fuchs, einen Pferdhals mit -kopf oder eine Katze? Es bleibt die Uniformität, die Schlichtheit, die Würde und Strenge. Was so offen wirkt, ist zugleich extrem penibel und präzise gearbeitet. Schauen Sie sich unter diesem Aspekt mal die Kinnpartien im Übergang zum Kopf der Figur an.

Selbst wenn die Titel der Arbeiten narrativer gestaltet sind, bleibt mir als Betrachter eine Offenheit in der Deutung. Bei der Arbeit Reise ins Innerste fallen die Proportionen auf und die drei Erhebungen. Drei ist eine in allen Kulturen besondere Zahl, die an urtypische Mythen erinnert: die drei Grazien, Dreifaltigkeit, Vergangenheit-Gegenwart-Zukunft, Geburt-Leben-Tod. Die überkulturelle Formensprache ermöglicht die individuelle Besetzung. Und das hat Prinzip oder besser entspricht einem Wunsch des Künstlers:

 

„Wenn meine Arbeiten in 500 Jahren von Archäologen gefunden werden, wäre es schön, wenn sie sagen: ‚Ich verstehe sie zwar nicht, aber ich will sie haben, ich nehme sie‘; wenn sie auch dann den Menschen noch etwas bedeuten.“^[vi]

III

Am Ende ist Jürgen Friede dann doch mehr in der reduzierten, klaren Formsprache als „Zuhause“ angekommen als im realen Afrika mit seinen künstlerischen Traditionen. Darauf mag noch etwas verweisen. Viele Arbeiten tragen zwei Jahresangaben. Nach Jahren, manchmal Jahrzehnten hat Jürgen Friede seine Skulpturen überarbeitet. Jürgen Friede schafft dynamisch, prozesshaft. Er sieht, er setzt um, er korrigiert, er verändert, er stellt auf die Füße, was lag, bis er den Eindruck bekommt: Jetzt stimmt es! Ein Prozess, der sich über Jahre hinziehen kann und an dessen Ende eine Arbeit steht, die in sich schlüssig, klar, perfekt erscheint. Interessant die Veränderungen an den beiden Arbeiten Wächterfigur und Nehir – alles fließt vom Grad in die Ebene, letztere hat dieser Ausstellung den Namen gegeben. Beim Schleifen der Steine fielen Jürgen Friede die Fließspuren des Schleifschlammes auf. Sie hatten eine eigene Schönheit, wie sie sich an dem schwarzen Stein entlangzogen. Ein autopoietisches Element machte die Arbeit perfekt. Jürgen Friede hat die zufälligen nachgearbeitet und so auf Dauer gestellt, fixiert. Und nun entdeckt man je nach Lichteinfall und genauem Blick diese Spuren, die den Stein sehr lebendig werden lassen und dynamisch.

Schaue ich auf dieses phänomenologische Tun und die Übernahme der reduzierten Formsprache, von der ich eben gesprochen habe, dann verbindet sich das für mich auch mit der Entscheidung zur Abkehr von der Minimal Art. Sucht einerseits die Skulptur der Moderne nach der „vollkommenen Form, in der sich ein künstlerisches Weltbild manifestiert“ und hat uns die „Moderne […] daran gewöhnt, das Kunstwerk in völliger Isolation von jeglichen außerkünstlerischen Zusammenhängen zu sehen, zu begreifen, zu werten“[vii], so sieht sich Jürgen Friede „als Teil einer Generation; ich hoffe eine gute Sache gemacht zu haben, aber man wird sehen, wie das Menschen später mal bewerten.“[viii]

Mir scheint, dass es Jürgen Friede deshalb gelingt, weil er auch in unbeständigen Zeiten eine beständige künstlerische Sprache gefunden hat, die unabhängig von individueller Geschichte und kultureller Herkunft, die Betrachter:innen anspricht, berührt und von ihnen verstanden wird.

Vom griechischen Philosophen Heraklit stammt die Erkenntnis, dass man nicht zweimal in den selben Fluss steigen kann. Man selbst ist ein andere. Das Flusswasser ist ein anderes. Zugleicht hat die Reise, die Exkursion mit Jürgen Friede durch Länder und Zeiten gezeigt, dass sich manches erst in der Veränderung formt und finalisiert. Dass es Grundkonstanten gibt, die aber erst durch neue Überarbeitung, durch Neuansätze, durch Veränderung deutlich werden. Dass der Reise nach Innen der Aufstieg nach Außen folgen muss, damit das Werk vollendet wird. Jürgen Friedes Wächter sind da auch wie stille Mahner, auf dem eigene Weg zu bleiben. Ich wünsche Ihnen Entdeckerfreude auf Ihrer Exkursion nach Innen und Außen, auf den Spuren des Künstlers nach Nordafrika und Norddeutschland.

 

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[i] Unbearbeitetes Typoskript der Einführungsrede. 

[ii] Im Gespräch mit dem Autor am 24. August 2024.

[iii] Jürgen Friede im Gespräch mit dem Autor am 14.08.2024.

[iv] Jürgen Friede im Gespräch mit dem Autor am 14.10.2025.

[v] Zitiert nach: Eduard Trier: Bildhauertheorien im 20. Jahrhundert, Berlin (Gebr. Mann Verlag) 5. völlig. bearb. Aufl. 1999, S. 220

[vi] Jürgen Friede im Gespräch mit dem Autor am 14.08.2024.

[vii] WB: Gedanken zur Skulptur von Jürgen Friede, in: Jürgen Friede [Skulptur am Elbe-Seitenkanal Bad Bevensen], Hannover 1992, S. 3.

[viii] Jürgen Friede im Gespräch mit dem Autor am 14.10.2025.

 

 

Inge Marion Petersen: INSECTA

 

imago Kunstverein Wedemark | 21. Januar bis 3. März 2024[i]

„3.1.2024 – Brimston, 445 Beiträge: Zuerst einmal frohes Neues zusammen. Das alte Jahr ging zu Ende, wie das neue begann. Ergiebiger Dauerregen und Sturm. Heute bin ich aber mal meine Köder (die natürlich praktisch gänzlich abgewaschen sind) abgelaufen. Was soll man sagen: ein erstaunlicher Erfolg: 9x Conistra rubiginosa – 1x Eupsilia transversa  – 1x Conistra ligula  1x Orthosia cerasi. Das ist mit Abstand die früheste Orthosia die ich je gesehen habe. Überdies noch 2 Säcke von Psyche casta und eine Mine von Tischeria ekebladella. Vorgestern an der Hauswand eine Puppe von Pieris rapae. Das Jahr hätte schlechter starten können! Brimston –

4.1.2024 – Lilli S., 270 Beiträge: Das freut mich sehr für dich! Ist doch ein guter Anfang…Ich musste bei jedem lateinischen Namen schauen, was das für ein Schmetterling ist 😉

5.1.2024 – Brimston, 446 Beiträge: Heute mal eine kleine Tour gemacht, immerhin 7 Arten. Neben hunderten Minen von Zimmermannia liebwerdella an Rotbuche und einer Phyllonorycter maestingella an welkem Rotbuchenlaub, auch wieder die ersten Säcke von Coleophora laricella an Lärche, dazu einmal Taleporia tubulosa. An Brombeere Coptotriche marginea und an Feuerdorn Ph. leucographella. Leider vergebliche Suche nach den Zipfelfaltern Favonius quercus und Thecla betulae.

Lilli S., 271 Beiträge, 5.1.2024: Oh my gosh 🙂 Diese Namen – eine Musik in meinen Ohren! Das klingt so unglaublich poetisch…

Ein Netzfund auf der Seite: https://das-neue-naturforum.de/forum/index.php?thread/21357-schmetterlinge-2024/.

Poetisch. Nun denn, schauen wir in die Literatur. Sie hören den 2007 von der Stiftung Lesen und der Initiative deutsche Sprache als „Schönsten ersten Satz der deutschen Literatur“ gekürten Satz – Platz zwei:

„Als Gregor Samsa eines Morgens aus unruhigen Träumen erwachte, fand er sich in seinem Bett zu einem ungeheueren [sic!] Ungeziefer verwandelt.“ Kafka. Die Verwandlung.

Und weiter heißt es: „Er lag auf seinem panzerartig harten Rücken und sah, wenn er den Kopf ein wenig hob, seinen gewölbten, braunen, von bogenförmigen Versteifungen geteilten Bauch, auf dessen Höhe sich die Bettdecke, zum gänzlichen Niedergleiten bereit, kaum noch erhalten konnte. Seine vielen, im Vergleich zu seinem sonstigen Umfang kläglich dünnen Beine flimmerten ihm hilflos vor den Augen.

»Was ist mit mir geschehen?«, dachte er. Es war kein Traum.“

Insekten

Das ist so ein Ding mit den Insekten. Dass in Deutschland 80% der Insekten seit den 1980er Jahren zurückgegangen sein sollen, und das als ein Hinweis auf die menschenverursachte Vernichtung der Natur, macht nachdenklich. Bis man im Bissendofer Moor im Juni von Mücken zerstochen wird. Und dann kommt Inge Marion Petersen. Insecta. Titel der Arbeiten: Falter – Moth – Insecta – Kokons – Häutungen. Mehr Insekt geht nimmer. Inge Marion Petersen die Insektenkünstlerin?

Immerhin, wie Kafka beginnt sie mit der Verwandlung, der Metamorphose. Wobei: Gregor Samsa erlebt sich erst am Ende der Verwandlung („fand er sich in seinem Bett zu einem ungeheueren Ungeziefer“) und erlebt sich als Ungeziefer. Mücke. Bissendorfer Moor.

Doch Verwandlung ist ein Thema, dass Inge Marion Petersen schon länger beschäftigt. Metamorphosen. „Was gibt es Besseres als die Metamorphose?!“, fragt sie im Vorgespräch.

Also noch ein erster Satz der Weltliteratur, gut 2.000 Jahre alt: „In neue Körper verwandelte Gestalten, drängt meine Seele dazu zu dichten“ (In nova fert animus mutatas dicere formas corpora). Ovid. Metamorphosen. Aber auch hier ist bereits das Ende angesprochen, das bereits verwandelte Geschöpf. Der Schmetterling. Inge Marion Petersen interessiert das Stadium davor, der Prozess der Verwandlung. Das Zwischen. Die Zwischenräume.

Gregor Samsa erwachte aus unruhigen Träumen. Aber es war kein Traum. Es war auch nicht dieses Zwischenstadium zwischen Wachen und Schlafen, der unruhigen oder fiebrigen Schlaflosigkeit. Dahin schaut Inge Marion Petersen. Die älteste Arbeit die hier hängt, aus dem Jahr 2017: Insomnia and a lucky break. Durchaus heiter dieses Wesen mit den Luftschlangen. Inge Marion Petersen verwandelt die belastende Schlaflosigkeit in einen karnevalesken Glücksmoment. Und da wird schon deutlich, dass diese Zwischenwelten Wesen gebären, die anders sind. Die vielschichtigen Farbstiftzeichnungen, mit ihrer Intensität, kompilieren bekannte Elemente: Insektenfühler, Flügel, Gesichtszüge in der Reihe Insecta, den neusten zeichnerischen Arbeiten, – aber es bleiben fremde Wesen. Auch hier durchaus heiter. Anziehend. Neugierig machend.

In der Reihe terra incognita nimmt Inge Marion Petersen die Referenzen noch entschiedener zurück, kompiliert organische Formen. Aus der Ferne wirken sie wie naturkundliche Zeichnungen unbekannter Wesen, eine Sammlung, wie in einem Naturkundemuseum. Immer wieder entdecken Biologen neue, unbekannte Tierarten in überraschenden Formen, z.B. in der Tiefsee. Alles das könnte auch hier zu sehen sein, man glaubt einzelne Details zu erkennen: Fühler, Schuppen, Haut. Und dann ist es doch fremd – und unheimlich. Das kommt auch daher, dass die Wesen alle angeschnitten sind in der Darstellung, ich als Betrachter mithin keine verbindlichen Größenvor-stellungen entwickeln kann. Zugleich bin ich mir unsicher, ob die Wesen Tiere oder Pflanzen sind. Und da sie alle ohne Kontext gezeichnet sind, prachtvoll in etlichen Buntstiftschichten, was ihnen eine eigene Plastizität verleiht, ich aber keinen Kontext über den Hintergrund habe, machen sie mich selbst zum Bezugsrahmen. Inge Marion Petersen spielt mit dem Betrachter, der Betrachterin. „Einerseits Sinnlichkeit und andererseits Zwischenräume, Grenzüberschreitungen, den Wirklichkeitsbegriff in Frage zu stellen, das sind die beiden Themen, die mich in meinen Arbeiten beschäftigen“, betont Inge Marion Petersen. Also nicht Insektenkünstlerin, sondern Künstlerin der Verwandlung?

Verwandlung

In den plastischen Arbeiten werden wir zu dieser Grenzüberschreitung eingeladen. Da hängen der große Falter, die Moth, die Kokons, die Häutungen. Vielleicht sind sie Ihnen schon mal aufgefallen, draußen in der Natur, dem Garten, im Wald, die Kokons der Schmetterlinge, Falter. Oder auch nur die leeren Hüllen, nach der Häutung. Fein, filigran, geheimnisvoll. Was war da drin? Und was passierte da drin? Naturwissenschaftlich beschrieben liest sich das so: „Im allgemeinen [sic!] spinnt die reife Larve mit dem Sekret der Labialdrüse einen Kokon. (…) Innerhalb des Kokons findet dann, allerdings häufig erst nach längerer Liegezeit [bis zu 17 Jahren!], die Verpuppung statt.“ (rororo Tierwelt in 18 Bänden, Insekten (2), Reinbek 1974, Bd. 11, S. 291). Insekten mit vollkommener Umwandlung nennt man Holometabola. Nur 10% der ursprünglichen Körperzellen der Larve sind noch im Falter zu finden. Und wann die Puppe aufhört und der Falter beginnt, bleibt selbst in der Beschreibung der Wissenschaftler undeutlich: „Am Kopf der Puppe befindet sich eine hakenförmige, gezähnte Bildung, der sogenannte Kokonbohrer. Mit seiner Hilfe kann die Puppe das Kokongespinst zerschneiden und dem Falter das Schlüpfen ermöglichen“ (ebd., Insekten (3), Bd. 12, S. 545). Wann Puppe? Wann Falter? Und was passiert da drinnen? Im Kokon? Und ist der Falter noch die Puppe, die Raupe?

Die leeren Kokonhüllen findet man nach der Häutung, dem Schlüpfen. Inge Marion Petersen dazu: „Ich habe mich immer gefragt, was kann da drinnen gewesen sein? Zeit ist ja immer oberflächlich. Ich wollte, dass man sich fragt, was da kommt.“ Was da kommt, das hat auch damit zu tun, was da war. Eben: wieviel Raupe noch im Falter steckt. Und da hat Inge Marion Petersen ein ideales Material für ihre Arbeiten gefunden: Über 120 Jahre alter Leinenstoff aus Aussteuertruhen. Dreimal muss sie ihn waschen, um den Staub, den Dreck, die Spuren der Zeit zu entfernen, manchmal wegschneiden. Unterschiedlich sind die Qualitäten, von fein bis grob, leicht bis schwer. Und dann zeichnet sie, hat nachts im Zwischenzustand von Schlaf und Wachen Figuren vor Augen und schneidet die Stoffe dann zu und näht sie und es entstehen diese wunderbaren Wesen, die hier hängen, sich wie im Tanz bewegen. Mit den wie Tribals wirkenden Naht-Verzierungen wirken die 8 x Häutungen wie Totem, Relikte aus einer anderen Welt, Zwischenreich. Und in ihnen steckt noch die Geschichte der alten Leinenstoffe aus der Aussteuertruhe, die keiner mehr zu erzählen weiß, die aber noch zu erahnen, zu fantasieren, zu vermuten sind. Etwas von der Geschichte bleibt, vom Vorherigen bleibt im Material, wie beim Falter, dem Schmetterling noch etwas von der Raupe zu finden ist.

Und der Falter. Er hing mal in der Magdalenenkapelle in Burgdorf. In der Apsis. Meine erste Assoziation dieses Wesen mit Stacheln und Flügeln war die eines Vampires. Inge Marion Petersen hat sie zurückgewiesen. Warum soll auch eine Künstlerin für meine Fantasien verantwortlich sein.

Geheimnis

Es sind die Reste von Tieren, Skelettreste, Federn, Haut, Schuppen, die die Fantasie beflügeln. Aus dem Narwalstoßzahn am Strand gefunden, wird das Einhorn. Der schimmernde Flügel der Libelle zum Feenbeweis. Die Klaue des Bären gibt ihre Kraft an den Träger der Klaue. In der freien zeichnerischen Kombination bekannter Tierkörperteile erweckt die Künstlerin neue Wesen.

Libellula. Nur auf einer Zeichnung findet sich ein menschliches Motiv. Ein Junge, umgeben von Libellen, einen Schamanenhut auf dem Kopf. Eine Aureole aus der fragilen Textur der Libellenflügels. Und strahlend blaue Augen. Mit denen er in eine andre Welt zu schauen scheint. „So ein kleiner Zauberer mit irgendwelchen Kräften“, beschreibt ihn Inge Marion Petersen. Und da ist sie wieder, die terra incognita, die unbekannte Welt, die Zwischenwelt.

Das ist sie am ehesten, Inge Marion Petersen, die Künstlerin der Transformation und der Verwandlung, der Zwischenräume, der Wahrheit hinter der Wirklichkeit, sie unterfangend.

Noch mal erste Sätze: 2017 hat Carmen Stephan einen Roman (It’s all true) über die Entstehung eines Filmes von Orson Welles geschrieben. Sie beginnt: „Unter dem Stein. Unter dem Singen der Vögel. Unter dem Schreien der Kraniche. Unter dem Moos. Unter dem Licht. Unter dem Tau auf See und Schilf. Die Wahrheit schien mir wie ein fein gewebtes Netz, das unter allem lag. Und die Menschen sahen es nicht. Sie sprachen von dem, was wirklich ist. Aber es war nicht das Wirkliche. Die Wahrheit war tiefer. Sie hatte einen Grund.“

Der kleine Schamanenjunge scheint diese Wahrheit, diesen Grund mit seinen blauen Augen zu sehen. Faszinierend und auch bedrohlich im Unbekannten, Fremdem, und doch wert, hinzuschauen und zu suchen. Inge Marion Petersen ist die Künstlerin dieses Geheimnisses, dieses Zaubers, dieser Wahrheit.

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[i] Unkorrigierter Text der Vernissageeinführungsrede.

Region Hannover | Schloss Landestrost | 6. November bis 11. Dezember 2022[i]

 

Magda Jarząbek hat auf Entdeckungstour eingeladen, mehr noch zur Forschung. Raumforschung. Da stellt sich die Frage, wer nun forscht: Die Künstlerin? Die Betrachter:innen? Dritte? Und: Was wird erforscht? Raum. Raum? Im Raum forschen oder den Raum erforschen und welchen Raum?

Wer forscht, sucht Antworten und objektive Eindeutigkeiten, denkt man gemeinhin. Wer Forscher:innen fragt, dem erklären sie, stets nur einen neuen Stand am Ende der Forschung zu haben – als Ausgangspunkt für neues Forschen. Und Objektivität? Auch ohne in den Chor der Fake-News-Pessimisten zu verfallen, hat mich seit meinem Studium ein Forschungsbericht von Werner Heisenberg immer wieder beschäftigt, der sich mit der Wellen- oder Korpuskeltheorie des Lichtes beschäftigte. Sehr stark verkürzt: Schickt man einen Lichtstrahl, ein Photon durch zwei Spalten und misst wo er auftrifft, dann scheint er stets dort aufzutreffen, wo der Forscher hinschaut. Faszinierend. ‚Weiß‘ das Photon, dass ich es als Forscher untersuche. Finde ich nur da, wo ich suche? Und, was heißt das für die Stellen, wo ich nicht hinschaue? Werner Heisenberg, Nils Bohr, Albert Einstein – viele haben sich damit beschäftigt – mir ist nur dieses eine Moment wichtig, das selbst in der doch so klar scheinenden Naturwissenschaft die Person die forscht, Einfluss auf das Ergebnis hat – ob sie will oder nicht. In den Sozialwissenschaften, stellt man sich dem Problem intensiv.

Magda Jarząbek stellt in dieser Ausstellung mehrere Versuchsanordnungen auf, und auch die verändern sich mit ihr, mit uns.

Museum

Erforscht. Erfasst. Katalogisiert. Ausgestellt. Museen sind Forschungsorte, Diskursorte und Archive der vergangenen Zeiten. Was passiert, wenn die Exponate keiner sieht? Die Exponate keine Gespräche auslösen, ihre Geschichten nicht erzählen können und ihre Geschichten nicht erzählt werden. Das war die Situationen während der pandemischen Lockdowns, die Magda Jarząbek beschäftigt haben.

Im eigenen Lockdown holte sie Fotografien von Besuchen in europäischen Museen in London, Amsterdam, Hannover u.a. heraus. In den danach gearbeiteten Ölarbeiten auf Karton der Reihe Museum entdecken wir als Betrachter:innen Vasen und Gedecke, Tassen und Teller. Nie pur. Mal stört der Schattenfall einer Vitrinensprosse, mal die Reflektion auf der Scheibe, mal der pastose Farbauftrag. Dadurch können wir als Betrachter:innen nicht ungestörte Beobater:innen, Voyeur:innen sein, Magda Jarząbek verweist immer wieder auf die Versuchsanordnung: Wir schauen auf ein Bild, das eine museale Anordnung zeigt. Und doch kommen so die Exponate zu ihrer Bestimmung, sie werden – wenn auch künstlerisch vermittelt – gesehen.

Verlockend der Gedanke, was eigentlich passiert, wen wir nicht hinschauen. Benedikt Wells hat diesen Gedanken für eine Londoner Bibliothek weitergesponnen[ii]. Jedes Jahr zu Weihnachten streiten sich die Bücher z.B. über ihren schlechten Platz im hintersten Regal der Bibliothek, wie häufig oder wie selten sie ausgeliehen wurden im zu Ende gehenden Jahr, also wie relevant sie noch sind, und nehmen dabei die Charakterzüge ihrer Autoren an, Proust gegen Hemingway, Joyce gegen Dickens oder Thomas Mann gegen Flaubert. Am Ende prügeln sie sich Buchdeckelschlagend und Seitenraschelnd und Hemingway geht zu Boden, wo ihn – alle Jahre wieder – der Nachtwächter aufsammelt: „‘Was ist nur jedes Jahr mit diesem Buch los…‘, murmelte er, dann schlurft er aus der Halle und verschloss mit dem üblichen Seufzen die Tür hinter sich“[iii]. Und in dieser Ausstellung: Der Streit Meißen gegen Fürstenberg, Vase gegen Teller, Bauhaus gegen Art Deko?

Die Raumforschung wird hier Geschichts- und Geschichtenforschung, es gilt Narrative zu entdecken.

Präsenz

Die Reihe Präsenz, ebenfalls im Herzog-Erich-Raum ausgestellt. Aus der Ferne scheinen es Aufsichten auf Objekte wie Teller, Tabletts, Schüsseln zu sein. Doch sie sind reduziert auf Farbe und Form und treten nur durch die dunklen Hintergründe (rot, grün, blau, schwarz), in denen jede Perspektive, jeder Horizont verweigert wird, beinahe schwebend hervor. Alles ist plakativ gehalten, ohne Objekttiefe oder Dreidimensionalität. Dadurch kommen aber die Ornamente zum Tragen, die Farbigkeit als Objektqualität und die Motive bekommen einen symbolbeladenen Charakter. Ich musste an die Krone der Queen auf dem Samtkissen denken bei den Bildern ihrer Aufbahrung.

Die Künstlerin erforscht das Zusammenspiel von Form und Farbe. „Mir waren“, sagte sie im Atelier, „die Museums-Bilder zu konkret. Mich hat interessiert, wie die Dinge im Museum präsentiert werden. Und ich hatte Freude am Kontrast“[iv]. So wie sie aus der Ferne wirken, können sie genauso auf einem Tisch auf dunklem Samt stehen oder auch im All schweben in unendlichen Weiten. Es könnten auch rein virtuellen Formen sein. Und, es ist auch ein Ringen mit der Frage in der Pandemie: „Wie zeigt man Präsenz als Künstlerin“[v].

In dieser Reihe, wie in den Bildern aus der älteren Reihe Nicht meine Erinnerung, Interieurs menschenleerer, aber offensichtlich bewohnter Räume, zeigt sich auch Magda Jarząbeks künstlerische Nähe zu Pierre Bonnard. Auch er verlässt irgendwann das mimetische Abbilden von Räumen in seinen Interieurs zu Gunsten von Farb- und Formkompositionen, noch stärker geht diesen Weg Henri Matisse. Und wie für Bonnard gilt für Magda Jarząbek, dass sie: „den Malprozess als solchen [enthüllt] und uns Orientierungspunkte [gibt], die es erlauben, den Inhalt des Bildes ansatzweise zu erschließen (…). Der in der Malfläche tobende Kampf oder vielmehr die sorgfältig austarierte Interaktion zwischen Farbtönen, Pinselführung und Farbqualität zeigt ein anhaltendes Gespräch im radikalisierten Bildraum“[vi].

In den drei großformatigen Arbeiten Zwischen den Linien entdeckt man diese Dynamik besonders. Magda Jarząbek hat diverse Situationen mit Stühlen zwischen gedruckte Linien gemalt. Nähern sich die Betrachter:innen diesen Bildern muss man sich wieder entfernen um diese Fragmentierung aufzulösen, wieder das Ganze in den Blick zu bekommen. Die Betrachter:innen werden also wieder in den Raum geschickt, um den bildlichen Raumeindruck zu bekommen. Gerade noch mit forschendem Blick dem Bild genähert, wird man Teil der Versuchsanordnung. Ein vor und zurück, en Forschertänzchen – oder ist man gerade selbst zum Teil des Experimentes geworden?

Man versucht die Stühle zu dechiffrieren, ihre Geschichte, ihren Platz. Warten sie darauf, dass sich einer setzt, wie in der Stuhlreihe aus Clärchens Ballhaus in der Berliner Auguststrasse. Oder sind sie abgestellt, wie das Bild das an ein Schulstuhllager erinnert. Lädt der breite Stuhl, auf den man schaut, zum Sitzen ein und verlässt man dann nicht die Rolle als unerkannter Voyeur und tritt ins Bild. Die Bilder entwickeln eine große immersive Kraft.

Traumaufzeichnungen

Im Kielmannsegge-Raum sind auf Tischen 40 kleinformatige Bilder mit kurzen Texten unter Plexiglas auf Tischen wir in einem Labor oder einer Handschriftenarchiv präsentiert. Es sind Magda Jarząbeks visuelle Traumaufzeichnungen aus 15 Jahren. Oft sind es Räume, Zimmer, Landschaftsräume. Mehr noch als bei den Interieurs oder der Reihe Zwischen den Linien wächst das Gefühl, voyeuristische in die Nachtbilder, die versteckten Seelenbilder der Künstlerin zu schauen, Raumforschung zu betreiben im Seelenhaus Magda Jarzą-beks. Und je intensiver man schaut, desto mehr eigene Träume steigen auf. Die Raumforschung beginnt zu verunsichern. Der Traum, in der Psychoanalyse nach Sigmund Freud Schlüssel zur Seele, Forschungsgegenstand in dem Forschende und Erforschtes identisch sind und sich gegenseitig witternd umkreisen, bedingen, erkennen.

Magda Jarząbek hat zu Raumforschungen eingeladen. Und hat es uns nicht einfach gemacht. Das hat seinen Grund. Eine kleine Geschichte dazu:

 Unter einer Straßenlaterne steht ein Betrunkener und sucht und sucht. Ein Polizist kommt daher, fragt ihn, was er verloren habe, und der Mann antwortet: ‚Meinen Schlüssel.‘ Nun suchen beide. Schließlich will der Polizist wissen, ob der Mann sicher ist, den Schlüssel gerade hier verloren zu haben, und jener antwortet: ‚Nein, nicht hier, sondern dort hinten — aber dort ist es viel zu finster.‘[vii]

Paul Watzlawick nutzt diese Geschichte um zu erläutern, wie die Vergangenheit und ihre Deutungsmuster einem zur Falle werden können. Man finde nur bei Licht, und wenn man dort nicht findet, hat man sich nur nicht genug angestrengt – man stellt aber den eigenen Weg, die eigene Erfahrung, die eigenen Denkmuster nicht in Frage.

Magda Jarząbeks Austellung fordert anderes: Neu zu schauen, Sicherheit gegen Freiheit auszutarieren und Kreativität gegen Begrenzung. Schon allein durch die Vielfalt ihrer malerischen Ausdrucksformen – und sie ist als Künstlerin weitaus vielfältiger von der Bloggerin bis zur Videokünstlerin, von der Installation bis zur skulpturalen Arbeit – verweist sie darauf, dass die Raumforschung ein lebenslanges Programm ist, das über diese Ausstellung hinausgeht. Stürzen Sie sich also ins Abenteuer Raumforschung.

 

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[i] Text der Einführungsrede.

[ii] Benedikt Wells: Die Nacht der Bücher, in: Ders.: Die Wahrheit über das Lügen, Zürich (Diogenes) 2018, S. 99-113.

[iii] Ebd., S. 113.

[iv] Magda Jarząbek im Gespräch am 23.09.2022.

[v] Magda Jarząbek im Gespräch am 23.09.2022.

[vi] Line Clausen Pedersen: Angewandte Malerei: Das Esszimmer im Verdon, in: Matthew Gale (Hg.): Pierre Bonnard: Die Farbe der Erinnerung, Ausstellungskatalog London – Kopenhagen – Wien 2019/2020, München (Hirmer) 2019, S. 45.

[vii] Paul Watzlawick: Anleitung zum Unglücklichsein, München – Zürich (Pieper) ¹²1984, S. 27.